Aziza Mustafa Zadeh-Dance of fire

Bueno pues aquí les traigo un discaso, una verdadera obre de arte que definitivamente deben tomar en cuenta. Se trata del Dance of fire de Aziza Mustafa, bueno para quienes no la conoscan aquí les dejo una pequeña reseña de esta excelente músico.

Aziza Mustafa Zadeh (en azerí Əzizə Mustafazadə), también conocida como La princesa del jazz o Jazziza, nació en Bakú (Azerbaiyán), el 19 de diciembre de 1969. Es una cantante, pianista y compositora de jazz y world music.

Aziza, es hija del prematuramente fallecido pianista Vagif Mustafa Zadeh, que fue pionero en la fusión entre la música de jazz y la autóctona de Azerbaiján. Aziza estudió música clásica y piano en el Conservatorio de Baku. Su pasión por el jazz y por el cante y los sonidos tradicionales de Azerbaiján crearían su original estilo de música, una fusión entre Oriente y Occidente.

Este disco nos muestra la tercera entrega de esta gran pianista y compositora, en lo personal me gusta mas porque es como algo mas intimo. Su combinacion de la música de su patria con el jazz es asombrosa y nos presenta melodía interesantes aderezadas con una armonía de jazz y una voz oriental, 100% recomendable, disfrutenlo.

Dance of fire

Aziza Mustafa Zadeh

track list

1. Boomerang
2. Dance of Fire
3. Sheherezadeh
4. Aspiration
5. Bana Bana Gel
(Bad Girl)
6. Shadow
7. Carnival
8. Passion
9. Spanish Picture
10. To Be Continued
11. Father

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Der Steppenwolf

Para los amantes del canto

Hola una vez mas, en esta ocasión le traigo una selección de piezas del repertorio italiano con sus respectivas partituras. Las pistas de audio son de piano solo, esto es muy útil cuando lo que se desea es practicar las piezas con el acompañamiento, creo que las personas que deseen hacer examen a alguna institución para estudiar canto clásico les sera de gran ayuda.


Bueno pues les dejo el audio y dentro de la carpeta viene el libro completo con las partituras para voz y piano, disfrutenlo.


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Der Steppenwolf

Una cueva para el arte

Hola, el día de hoy quiero recomendarles un blog de una amiga muy querida en el cual nos muestra su fantástico arte, no puedo hacer esta recomendación sin antes mensionar el enorme talento para el dibujo y la pintura que tiene esta mujer, es simplemente mas que talentosa. Así que si te gusta el comic y el dibujo lee un poco sobre este blog.

En este espacio nos muestra sus dibujos, pinturas, modelismo y propuestas innovadoras, una de ellas, y que por cierto ha llamado mi atención, es el anuncio de que pronto publicara un comic de nombre "Fallen"(para mas información chequen la nota en el blog) y estará disponible en este espacio, cave mensionar que dentro de el comic hay excelentes ideas y no todas son extranjeras, hay grandes artistas en nuestro país y esta es una prueba mas de ello.

Bueno pues sin mas les invito a The Kitsune Cave, un lugar donde el arte y la imaginación nos invitan a soñar.

Therion-Gothic Kabbalah

En esta ocasión les dejo un disco que se ha popularizado en estos últimos años y que es por demás curioso en si, me refiero al Gothic Kabbalah de Therion. Therion es una banda Sueca de metal sinfónico que nos tiene acostumbrados a un sonido muy característico, con voces y coros impresionantes sobre bases de death, doom o heavy metal. Sin embargo este disco que también fue un epitafio para una era en la vida de esta bestia, es extraño si lo comparamos con los demás discos de la banda. Deben saber que este disco no lo escribió Christopher Johnson, la música corrió por cuenta de Petter Karlsson y las letras de Thomas Karlsson y fue basado en una filosofía mística nórdica a la cual denominaron gothic kabbalah. En mi punto de vista el disco es alucinante, pasando por sonidos de rock progresivo hasta lo mas duro del metal, una fuerte influencia de jazz en la batería y coros y motivos tirándole a folk, un disco muy versátil. Sin mas les dejo esta joya del metal sinfónico o debería decir progresivo?, disfrutenlo.

Therion-Gothic Kabbalah

genero-metal sinfonico-progresivo

line up

# Christofer Johnsson:Guitar, Keyboards, Programming
# Kristian Niemann:Lead and rhythm guitars, Keyboards
# Johann Nieman: Bass guitar, Guitar, Acoustic guitar
# Petter Karlsson: Drums, Guitar, Keyboards, Vocals, Percussion

# Mats Levén:Vocals, Guitar
# Snowy Shaw:Vocals
# Katarina Lilja:Vocals
# Hannah Holgersson:Vocals

# Jonas Samuelsson-Nerbe:Tenor
# Anna Nyhlin:Solo soprano on The Falling Stone and Path to Arcady
# Karin Fjellander:Choral soprano
# Ken Hensley:Hammond organ
# Joakim Svalberg:Hammond organ
#Rolf Pilot:Solo flute on Gothic Kabbalah and Trul
#Stefan Glaumann:Tambourine

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Opeth-Blackwater Park

Bueno pues aquí les dejo un disco de esta fabulosa banda de death-metal progresivo originaria de Suecia, es uno de mis discos preferidos de esta banda y espero que también lo sea para ustedes, disfrutenlo.

Opeth-Blackwater Park

genero-Death-metal progresivo

país-Suecia

line up

Mikael Arkefeldt-guitars and vocals
Peter Lindgren-guitars
Martín Méndez-Bass
Per Wiberg-Keyboards and back vocals
Martín López-Drums

track list

1. "The Leper Affinity" – 10:23
2. "Bleak" – 9:16
3. "Harvest" – 6:01
4. "The Drapery Falls" – 10:54
5. "Dirge for November" – 7:54
6. "The Funeral Portrait" – 8:44
7. "Patterns in the Ivy" – 1:53
8. "Blackwater Park" – 12:08



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Igor Stravinski-Ballets

Bueno pues siguiendo la línea del tema anterior aquí les dejo dos de los mejores ballets de el gran compositor ruso Igor Stravinski y en donde en sus estrenos participo Nijinsky, en uno como bailarín(Petrushka) y en el otro como coreógrafo(La consagración de la primavera), sin duda, grandes estos dos genios. Petrushka nos presenta un ballet hermoso inspirado enormemente por la música tradicional Rusa, mientras que el segundo nos presenta un trabajo audaz que rompe con los esquemas en ese tiempo establecidos e incluso de hoy en día con sus ritmos extravagantes, su fuerte tendencia percusiva y con una trama innovadora, es como un especie de gran danza ritual primitiva con orquestación.

Espero que los disfruten tanto como yo.

1 Petrushka
2 La consagración de la primavera.

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Der Steppenwolf

Hablemos un poco de la danza contemporanea y su historia.

Ya que este es un espacio donde pretendo tratar temas relacionados con el arte sin discriminar ninguna de sus corrientes, hoy tratare un poco sobre una de estas disciplinas que desafortunadamente ha sido un poco relegada, el arte es la máxima expresión de la conciencia, y esta es la expresión física de la misma, en mi punto de vista claro, cada quien puede verlo de una forma pero algo si esta claro, mientras el mensaje sea transmitido habrá concebido su propósito.



La danza como todo el arte, tiene sus corrientes, al hablar de la danza contemporánea no trato de ninguna forma de discriminar a la danza clásica, simplemente es un tema que me gusto para tratar en este blog. Es una forma de expresión física sin los limites de la estética del ballet, esto permite la representación total de los sentimientos y emociones.

Danza Contemporánea

La danza contemporánea o moderna es un estilo creado para expresar los sentimientos. Así como los sentimientos cambian, los bailarines contemporáneos deben cambiar constantemente. Es importante el individualismo, la abstracción y la entrega al arte. Los bailarines tienen poco en común además del rechazo de las tradiciones existentes y del deseo de reexaminar los principios fundamentales de la danza como medio de comunicación. Actualmente existen dos técnicas: La Graham y la Cunningham, pero los bailarines contemporáneos suelen revolverlas.

Diferencias entre el ballet y la danza contemporánea
:

Ballet

Las formas siempre son graciosas y bellas.

El cuerpo necesita tener una forma en particular y desde niños se trabaja en eso.
Se trabaja movimientos elevados y saltos.
Los pasos básicos están rígidamente definidos
La coreografía sigue una historia y tiene varios personajes.
Se baila con ropas y zapatos especiales.
En el pas de deux, el hombre carga a la mujer en formas definidas.

Danza Contemporánea

Las formas muestran lo bonito y lo feo de la vida
El cuerpo puede pesar o medir lo que sea mientras este fuerte y flexible.
Se trabaja en el suelo y en saltos con caídas.
Hay muchos estilos de pasos
La coregografía se basa en ideas y sentimientos.
Se baila con la ropa que sea. Por lo general bailan descalzos.
Uno o más hombres cargan a la mujer o a otros hombres de maneras inusitadas. Inclusive la mujer carga al hombre.

Historia

Los orígenes del movimiento datan de finales del siglo XIX cuando bailarinas como las estadounidenses Loie Fuller, Isadora Duncan, Ruth Saint Denis, Martha Graham, Doris Humphrey y la alemana Mary Wingman sintieron demasiadas restricciones en el ballet para expresarse. Aunque el movimiento se dio simultaneamente por diferentes artistas, puede decirse que empezo en 1900's con los primeros recitales de Loie Fuller en la exposición universal de Paris y de Isadora Duncan en Londres. Loie Fuller trabajo en la transformación de su cuerpo en una flor o una mariposa.

Hay personajes muy importantes dentro de la historia de la danza, no profundizare muhco en ellos porque hablare de otro en quien quiero imponer enfasis, esto no resta importancia, simplemente me apetece hablar de este personaje, sin embargo podre los nombre de los pioneros dentro de la danza contemporanea por si alguien tiene interes en saber mas pueda facilmente buscar acerca de sus metodos.

*Isadora Duncan
*Ruth st Denis
*Mary Wigman
*Martha Graham
*Doris Humphrey
*José Limón
*Merce Cunningham

Valslav Nijisky

Nijinski: "Soy un Dios alojado en el cuerpo de un toro"

Le bastaron 10 años para construir su leyenda, en gran parte cimentada en su asociación con el coreógrafo ruso Mijail Fokin, quien creo para él los papeles que mejor se avenían a su físico de bailarín anticlásico, dotado de una rara plasticidad y una capacidad de elevación en virtud de la cual cada uno de sus saltos se convertía en un viaje aparentemente sin retorno de la tierra al cielo.




De origen polaco, Nijinski (1890-1950) -nacido en Kiev, la capital de Ucrania- protagonizó una carrera artística intensa y breve, impulsada por la aureola de los Ballets Rusos de Diaghilev que conmocionaron los escenarios parisienses de la segunda década del siglo XX. Una carrera matizada a partes iguales por la fabulación y el escándalo, desde que salió a escena en el teatro Marinski, de San Petesburgo, vistiendo sólo una malla y una chaqueta para encarnar al Albrecht de Giselle y horrorizar a la púdica aristocracia zarista. Luego, ya en la compañía de Diaghilev, desbordada su fama de bailarín, vendría su debut como coreógrafo en 1912, en el teatro Chatelet, de París, con Preludio a la siesta de un fauno, un ballet montado con los bailarines siempre de perfil y poses tomadas de los bajorrelieves y pinturas de ánforas. En medio Nijinski, caracterizado como una deidad mitad humana, mitad animal, ataviado con una malla cubierta de parches, cuernos dorados y cola. Se trataba de una pieza inusual matizada de un erotismo primitivo y suavemente salvaje, que hoy resulta cuando menos ingenuo: Nijinski en la cima de una pequeña colina, tendiéndose con lentitud sobre el chal que, al huir, deja caer una de las ninfas. El público del Chatelet, dividido en dos bandos enfrentados entre sí, prodigaba rechiflas o enfervecidos aplausos. El año de su desgracia sería, sin embargo, 1913. El 15 de mayo estrena Juegos, una representación de un partido de tenis, asumido como un juego amoroso frio e intelectual, con movimientos complejos e intrincados y escasa repercusión en la crítica y la prensa. La hecatombe acontece 14 días después. El nuevo reto de Nijinski es una versión coreográfica de La consagración de la primavera -inspirada en la música ritual y agresiva de Stravinski. En ella se propone resumir todas sus experiencias. Busca la asesoría de Marie Rambert, discípula de Dalcroze, considerado el padre de la gimnasia rítmica. Sobre la escena aparecen bailarines con los pies anticlásicamente vueltos hacia adentro y las rodillas unidas. Más de 100 saltos vertiginosos, cual descargas eléctricas, ejecutados con los pies planos sobre el tabloncillo. En la escena de El sacrificio una joven virgen baila hasta la muerte y permanece después inmóvil durante 10 minutos. El teatro de los Campos Elíseos, de París, se estremece como bajo los efectos de un sismo. Hay aullidos, bastonazos e insultos, los compositores Claude Debussy y Camille Saint-Saens abandonan la sala. Leon Paul Fargue grita: venganza, venganza, según reseñan las crónicas de la época. Nijinski, pálido, se mantiene erguido sobre una silla, mientras Diaghilev suplica al público que le deje terminar el espectáculo. Stravinski comenta ácidamente: Nijinski es un pobre muchacho y su versión danzaria de La consagración... un penoso esfuerzo que no fructifica. Tendrían que pasar varios años para que el célebre compositor rectificara su juicio. Entonces dira: "de todas las interpretaciones de La consagración... que he visto, la de Nijinski es la mejor. Ese aserto obrara como un imprescindible y tardío epitafio. Para Nijinski la noche del 29 de mayo de 1913 se convertiría en el primer peldaño del descenso al infierno. Emprende una gira por Suramérica y se casa con una bailarina de origen húngaro, Romola Pulska. Diaghilev, como un amante despechado, lo despide y borra todas sus coreografías del repertorio de los Ballets Rusos. Nadie habla ya más de La Consagración..., las notas sobre la partitura de Stravinski, los apuntes de Marie Rambert, los dibujos de Valentin Gross, los bocetos de vestuario y escenografía de Nicolas Roerich se extravían o dispersan por bibliotecas y museos. Había sido el pionero de una vanguardia por entonces inimaginada. Tendrían que transcurrir casi 50 años para que Maurice Bejart lo reivindicara al irrumpir en la escena de un modo igualmente audaz, provocador y contradictorio. Luego sobrevendrían la locura, la desesperación y la muerte. Fallece el 8 de abril de 1950 en Londres, donde yacía desde 1918 en un manicomio, víctima de una melancolía pertinaz que lo lleva a romper su contacto con la realidad y con el mundo. Inmadurez afectiva, decretarían los psiquiatras, Freud entre ellos. A los 58 años de su muerte, vale recordar a Vaslav Nijinski como el genio intuitivo que fue, como el precursor de esa libertad sin restricciones que reclama la danza para no consumirse en sus propios esquemas. Bejart lo llamo "clown de Dios". Nijinski restableció el equilibrio entre lo divino y lo terreno.




BIBLIOGRAFÍAS:

http://www.danzaballet.com/modules.php?name=News&file=print&sid=42

http://www.danzaballet.com/modules.php?name=News&file=article&sid=2145

Lemur Voice-Divided

Bueno pues aquí les dejo un disco de una banda de metal progresivo Holandesa bastante buena que tiene como guitarra líder a uno de los mejores guitarristas que este mundo ha dado, Marcel Coenen, para quien no lo conoce el ha participado en bandas como:Sanctus Spiritus , Dungeon (Nld), Hubi Meisel, Speedica, Form, Fifth, Freak Neil Inc., Sun Caged, ademas de diversas colaboraciones y por si fuera poco es el organizador del festiva de metal recientemente creado; "Christmas Metal Symphony " , el cual reune a diferentes personalidades del metal y a una orquesta para tocar difentes clasicos del metal, un concierto verdaderamente fantástico, para quien no lo conozca los invito a ver los videos en youtube de este festival. Bueno pues les dejo este gran disco, disfrutenlo.

line up

Gregoor Van Der Loo - vocals
Barend Tromp - bass
Marcel Coenen - lead/rhythm Guitars
Franck Faber - keyboards
Nathan Van De Wouw - drums

track list

• 1.Solilocide
• 2.Universal roots
• 3.All fo me
• 4.Childhood facade
• 5.Parvedian trust
• 6.When the cradle cries
• 7.Lethes' bowl
• 8.New Yanini
• 9.Divided
• 10.Beat it
• 11.Sticks in Space

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Der Steppenwolf

Hablemos un poco de arte pictorico, Edvard Munch el expresionista obsesivo.

Bueno pues les dejo algo de este gran pintor Noruego cuyo estilo se caracterizo por su crudeza y sobriedad en un marco de expresionismo y colores hipnotizantes.

Pintor noruego cuyos cuadros y obra gráfica, tristes y angustiosas representaciones basadas en sus obsesiones y frustraciones personales, abrieron el camino al desarrollo del expresionismo. Nacido en Loeiten, Noruega, el 12 de diciembre de 1863, Munch comenzó a pintar a la edad de 17 años. Una beca estatal, concedida en 1885, le permitió proseguir sus estudios en París durante un breve periodo de tiempo. Veinte años después, en las ciudades de París y Berlín, Munch desarrolló la mayor parte de su producción artística. Tras una primera influencia de la pintura impresionista y postimpresionista, derivó hacia un estilo mucho más personal, obsesivamente apegado a la representación de imágenes relacionadas con la enfermedad y la muerte. La exposición de sus cuadros en Berlín en el año 1892 impresionó de tal modo a las autoridades que decidieron cerrar la muestra. Sin inmutarse por la contrariedad, Munch y sus partidarios trabajaron durante toda la década de 1890 en pro del desarrollo del arte expresionista alemán. De entre toda su obra, la más conocida es quizá El grito (1893, Museo Nacional de Oslo). Ésta, junto con el angustioso Niño enfermo (1881-1886, Museo Nacional de Oslo), reflejan el trauma sufrido por Munch en su niñez al morir su madre y su hermana víctimas de la tuberculosis. Pinta también tristes y melancólicas escenas, como El puente, con figuras lánguidas, de rasgos y rostros indefinidos. El reflejo de sus ansiedades sexuales puede verse en sus múltiples retratos de mujeres, representadas alternativamente, como frágiles e inocentes víctimas o como vampiresas devoradoras de vida. En 1908 su estado de ansiedad alcanzó tal magnitud que hubo de ser hospitalizado. En 1909 regresó a Noruega. La relativa tranquilidad que dominó su vida desde 1909 en adelante tiene su reflejo artístico en los murales de la Universidad de Oslo (1910-1916) y en el vigoroso y brillante colorido de sus paisajes. Aunque los últimos cuadros no son tan torturadores como sus primeros trabajos, su último autorretrato, Entre el reloj y la cama (1940, Museo Munch de Oslo), marca una vuelta a la introspección de años anteriores. Las numerosas xilografías, aguafuertes y litografías que Munch realizó a lo largo de su carrera tienen hoy día una significativa consideración dentro del arte gráfico contemporáneo, un trabajo y un estilo que puede definirse como poderoso, simple, directo y fuerte. Son muy pocos los cuadros de Munch que se conservan fuera de Noruega, entre ellos figura Atardecer. Laura, la hermana del artista de 1888 que se encuentra en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid.